El Festival de Cine Clásico TCM 2014 se inaugurará con la proyección de gala de Recién Restaurado ¡Oklahoma! (1955), con aparición en vivo de Star Shirley Jones
Apariciones de las estrellas Kim Novak y Ryan O'Neal; Cineastas William Friedkin, Albert Maysles e Ira Wohl; y la editora Thelma Schoonmaker agregada a la lista, Más estreno en EE. UU. Restauración de Friedkin's Hechicero (1977) y Proyecciones de Libro Campana y Vela (1958), Papel de Luna (1973), jardines grises (1975) y El mejor chico (1979)
El Quinto Festival Anual se llevará a cabo del 10 al 13 de abril en Hollywood,
Coincidiendo con el 20 Aniversario de TCM
Películas clásicas de Turner (TCM) abrirá la edición 2014 de la Festival de Cine Clásico TCM con el estreno mundial de una nueva restauración del amado musical de Rodgers & Hammerstein ¡Oklahoma! (1955). propio de TCM Roberto Osborne , quien se desempeña como anfitrión oficial del festival, presentará ¡Oklahoma! , con la estrella de la película, Shirley Jones, ganadora del Premio de la Academia® , en asistencia. Feria de las vanidades también regresará por quinto año como socio del festival y co-presentador del noche de apertura después de la fiesta. En su quinto año, se llevará a cabo el Festival de Cine Clásico TCM 10-13 de abril de 2014 , en Hollywood . El encuentro coincidirá con 20 aniversario de TCM como una autoridad líder en el cine clásico.
Además, el festival ha agregado varios invitados de alto perfil a la programación de este año, incluido el director ganador del Oscar® Guillermo Friedkin, que asistirá a la proyección de la Restauración de estreno en EE. UU. de su clásico de culto lleno de suspenso Hechicero (1977); Kim Novak, quien participará en una proyección de la encantadora Libro Campana y Vela (1958); actor Ryan O'Neal, quién presentará la comedia de la era de la depresión Papel de Luna (1973); documentalista legendario alberto maysles , que volverá al festival para la proyección de su obra maestra jardines grises (1975); cineasta Ira Wohl , quien estará presente en su documental ganador del Premio de la Academia® El mejor chico (1979); y editor de cine tres veces ganador del Oscar® Limpiadora Thelma ( Toro salvaje, El aviador, Los difuntos ), quien participará en un conversatorio especial en Club TCM , el punto de encuentro central del festival.
Entre los muchos eventos previamente anunciados programados para el Festival de Cine Clásico TCM 2014, TCM honrará al legendario actor, cineasta y humanitario jerry lewis con una celebración de varios niveles de su notable carrera. Lewis tendrá sus manos y huellas consagradas en concreto frente al mundialmente famoso Teatro chino TCL IMAX . Además, Lewis estará disponible para la proyección de una de sus películas más memorables: El profesor chiflado (1963). El TCM Classic Film Festival de este año también rendirá homenaje a quincy jones , que aparecerá en múltiples eventos durante el festival, incluido un proyección 50 aniversario del poderoso drama de Sidney Lumet el prestamista (1964), que marcó el debut de Jones como compositor cinematográfico; y Richard Dreyfuss , con proyecciones de dos de sus películas más queridas, la niña de adiós (1977) y Opus del Sr. Holland (1995).
Otros eventos del festival previamente anunciados incluyen una proyección del recientemente restaurado Lo que el viento se llevó (1939) y una presentación de El mago de Oz (1939) en su sorprendente nueva IMAX® 3D formato. Ambas películas celebran su 75 aniversario en 2014. El festival celebrará el 50 aniversario de Walt Disney Mary Poppins (1964) con una presentación especial, mientras mel arroyos aparecerá por su comedia clásica Sillas de montar calientes (1974), junto con Maureen O´Hara Para el restauración de estreno mundial de la ganadora del Oscar® de John Ford Que verde era mi valle (1941), y Margarita O'Brien para el eterno favorito musical de Vincente Minnelli Encuéntrame en St. Louis (1944). El festival también incluirá los siguientes Restauraciones de estreno mundial : Billy Wilder´s Doble indemnización (1944), que estará celebrando su 70 aniversario ; Orson Welles' Toque del mal (1958); Ganador del Oscar® a la mejor película de William Wyler Los mejores años de nuestras vidas (1946); hit de los beatles La noche de un día duro (1964) ; la comedia dramática de Frank Capra Mr. Deeds va a la ciudad (1936) ; Godzilla: el original japonés (1954); y el musical de Lena Horne Tiempo tormentoso (1943). Además, el festival contará con la proyección del clásico de la comedia de Harold Lloyd ¿Por que preocuparse? (1923), con el legendario compositor de cine mudo carl davis realizando la estreno mundial en vivo de su nueva partitura original, así como restauraciones recientes de la obra de Charlie Chaplin Luces de la ciudad (1931) y Alfred Hitchcock El huésped (1927), que contará con la Mont Alto Motion Picture Orchestra interpretando su partitura original para la película.
Los pases para el Festival de Cine Clásico TCM 2014 se pueden comprar exclusivamente a través del sitio web oficial del festival: http://www.tcm.com/festival . Las descripciones de las adiciones recientemente anunciadas a la programación del festival se incluyen a continuación. En los próximos meses se anunciarán proyecciones y eventos adicionales para el TCM Classic Film Festival 2014.
Noche de Gala Inaugural – Shirley Jones y ¡Oklahoma! (1955)
los shirley jones La historia de éxito no podría haber sido más perfecta si la hubiera inventado un agente de prensa del estudio. Nacida en la pequeña Smithton, Pensilvania (877 habitantes), la única hija de la familia Jones (fabricantes de la popular Stoney's Beer), la luchadora y precoz Shirley Mae fue una de las primeras, pero mostró signos de un rango vocal particularmente suave. Su iglesia, sus maestros y sus padres eran lo suficientemente inteligentes como para ver su talento y las lecciones de música locales de Shirley abrieron la puerta a los veranos en el Pittsburgh Playhouse.
Alguien sugirió que Shirley Mae, de 18 años, se inscribiera en la competencia 'Miss Pittsburgh'. No era la pasión de Shirley, pero siguió adelante y tomó la corona en 1952. Aquí la trama se complica un poco, porque a través de toda esta conspicua vocación del mundo del espectáculo, Shirley Jones alertó al mundo que la rodeaba de que había decidido ser veterinaria. Y así, descartando todas las demás apuestas, se inscribió en el Centenary College de Nueva Jersey y se preparó para el viaje hacia el este con una escala de vacaciones de una semana en Nueva York.
Con su semana y su dinero gastados, Shirley recibió una llamada de un amigo que le dijo que el show de Rodgers & Hammerstein Pacífico Sur , entonces en Broadway, tendría audiciones abiertas para reemplazar a dos miembros del coro que se van. Y así, Shirley tomó ese fatídico viaje en autobús al centro de la ciudad hasta el St. James Theatre y la fila de innumerables aspirantes al mundo del espectáculo donde el escenario había sido meticulosamente preparado para entregar a Shirley Mae Jones de Smithton no a una facultad de veterinaria, sino al momento y lugar de su notable destino público de un millón a uno. Shirley se puso al frente de la fila y cantó su canción, 'Las mejores cosas de la vida son gratis'.
“Por favor, espere”, dijo el hombre.
Siguió otra línea y otro viaje al frente para cantar. Finalmente, casi agotada, la fila se redujo a un puñado, una cuarta actuación, Shirley escuchó una voz desde el fondo del teatro a oscuras.
“Gracias, señorita Jones, por estar aquí tanto tiempo. Si no le importa, me gustaría llamar a mi socio, el Sr. Hammerstein, y pedirle que baje y lo escuche.
'Oh, claro', dijo la siempre amable Shirley, '¿Y cuál es TU nombre?'
Su nombre era Richard Rogers.
Llegó el Sr. Hammerstein y comenzó el torbellino de Shirley Jones. Sometida a un contrato inmediato de 'administración personal' a los socios de Rodgers & Hammerstein, la primera y última vez en la historia, no fue un año después que Shirley Mae Jones, de 19 años, estaba haciendo pruebas de pantalla en Hollywood junto con los pesos pesados como Kathryn Grayson. , Debbie Reynolds y Jane Powell por el codiciado papel de Laurey en la versión cinematográfica de 1955 de la obra de Broadway de larga duración ¡OKLAHOMA! . Obtuvo el papel y muchos otros lo siguieron, incluidos papeles en Carrusel (1956), April Love (1957), El músico (1962), un Oscar por su papel de Lulu Baines, la prostituta junto a Burt Lancaster en Elmer pórtico (1960), al acosado director de televisión La familia de la perdiz .
Sus papeles en el cine, la televisión y el teatro, una actuación récord en Broadway, dos nominaciones recientes al Emmy y una carrera en curso de conciertos sinfónicos y conferencias en todo el mundo le han valido a Shirley Jones un lugar incandescente en el corazón de toda América que nunca parece para irme Y así, la única pregunta que queda en la gloriosa historia del ícono estadounidense de Shirley Jones es: '¿Alguien alguna vez llamó a Centenary College para decirles que Shirley no vendrá?'
¡Oklahoma! ( 1955)
Restauración 4K presentada en colaboración con Twentieth Century Fox
Pocas actrices consiguen debutar en la gran pantalla en una película tan esperada como ¡Oklahoma! , pero eso es justo lo que le sucedió a Shirley Jones cuando Richard Rodgers y Oscar Hammerstein la eligieron en lugar de Joanne Woodward para protagonizar la versión cinematográfica de su primer gran éxito. Los compositores retrasaron la realización de la película hasta que pudieron obtener la imagen correcta. Con la llegada de Todd-AO, el proceso de pantalla ancha patentado de Mike Todd, finalmente supieron que podían revelar la majestuosidad de la frontera en todo su esplendor, incluido el maíz tan alto como el ojo de un elefante (16 pies de altura, para ser exactos). Pero a pesar del tamaño gigantesco de la producción, el enfoque siguió siendo simple, detallando el romance de la granjera Jones y el vaquero Gordon MacRae. Agnes de Mille recreó gran parte de su coreografía escénica, que había introducido la danza moderna en el musical teatral, mientras que el director Fred Zinnemann aportó un enfoque sorprendentemente realista a la producción.
Esta presentación única en 4k, minuciosamente restaurada a partir de elementos Todd-AO de 65 mm por Twentieth Century Fox y Fotokem, se proyectará a 30 fotogramas por segundo, la misma velocidad de fotogramas que cuando la película se estrenó originalmente en 1955. La banda sonora original de 6 pistas tiene también ha sido restaurado y remasterizado en Twentieth Century Fox, en colaboración con End Point Audio y Chase Audio by Deluxe.
Guillermo Friedkin y Hechicero (1977)
Por pura pegada cinematográfica, es difícil igualar las películas del director Guillermo Friedkin . El exorcista (1973), La conexión francesa (1971), Hechicero (1977) y Vivir y morir en Los Angeles. (1985) son placeres de ver tan grandiosos pero contundentes, tan francamente adictivos, que es fácil olvidar lo meticuloso que es Friedkin en todos los niveles.
Un veterano de la televisión en vivo en la década de 1950, Friedkin se formó en la realización de documentales a mediados de la década de 1960, formación que condujo al desconcertante realismo de 'tú estás ahí'. La conexión francesa y la terrible belleza de El exorcista y Hechicero . “Lo que trato de hacer antes de cada película es sumergirme por completo en muchas fases tangenciales de ese tema antes de hacerla, así que estoy literalmente nadando en él antes de exponer un fotograma de la película”, ha observado Friedkin.
En 1971, su La conexión francesa fue lanzado con gran éxito de crítica. Filmada en un estilo descarnado más adecuado para documentales que para largometrajes de Hollywood, la película ganó cinco premios de la Academia®, incluyendo Mejor Película y Mejor Director.
Friedkin siguió con 1973 El exorcista , basada en la novela más vendida de William Peter Blatty, que revolucionó el género de terror y es considerada por algunos críticos como la mejor película de terror de todos los tiempos. El exorcista fue nominada a 10 premios Oscar®, incluyendo Mejor Película y Mejor Director. Ganó premios por Mejor Guión Adaptado y Mejor Sonido.
La película de acción de Friedkin Vivir y morir en Los Angeles. ganó el Premio del Público en el Festival de Cine de Cognac. Protagonizada por William Petersen y Willem Dafoe, la película fue una de las favoritas de la crítica y suscitó comparaciones con la de Friedkin. La conexión francesa .
Friedkin comenzó a dirigir óperas en 1998 con una producción muy aclamada de Berg's Wozzeck en el Maggio Musicale de Florencia. Siguió eso en 2002 con una cuenta doble de Bartok's Castillo del Duque Barba Azul y los de Puccini Gianni Schicchi en la Ópera de Los Ángeles. En 2004 en la Ópera de Los Ángeles, dirigió R. Strauss Ariadna en Naxos . Otras obras incluyen Saint-Saëns' Sansón y Dalila en la Nueva Ópera Israelí, Tel Aviv, y Verdi's aída en el Teatro Regio Torino de Turín, Italia, en 2005; Castillo del Duque Barba Azul / Gianni Schicchi para la Ópera Nacional de Washington en el Centro Kennedy y Bayerische Staatsoper, Múnich, Alemania, así como nuevas producciones de Strauss Salomé y el estreno mundial de Wolfgang Rihm el recinto en 2006 y 2007; y una doble factura de hermana angélica / el tabarro en la Ópera de Los Ángeles en 2008. Friedkin regresó a Maggio Musicale, Florencia, en 2011 con Leos Janácek El Caso Macropuloso. Y en 2012 dirigió la de Offenbach. Los cuentos de Hoffmann en el Teatro An der Wien, Viena, Austria.
Hechicero (1977) - Restauración de estreno en EE. UU.
Presentado en colaboración con Paramount y Warner Bros.
Esta adaptación de la novela de Georges Arnaud, que también inspiró el clásico de suspenso de Henri-Georges Clouzot Los salarios del miedo (1953), es la película favorita del director William Friedkin, principalmente porque se acercó más que ninguna otra a su visión original. Esta historia de cuatro hombres en un remanso de América del Sur que se inscriben para conducir un cargamento de dinamita a través de un terreno peligroso comenzó como una película de bajo presupuesto. A medida que Friedkin amplió su visión para incluir secuencias emocionantes en las que los camiones cruzan un puente de cuerda destartalado y navegan por caminos montañosos traicioneros, el presupuesto aumentó a $22 millones. Inicialmente un fracaso crítico y de taquilla, en parte debido a la abrumadora competencia de Guerra de las Galaxias (1977), la película ha disfrutado de un renacimiento crítico en los últimos años. Ahora aclamada como una de las obras maestras de los años 70, la película ha sido elogiada por su narración económica, sus lujosos valores de producción y la manipulación experta de Friedkin de los temas del destino y la responsabilidad humana. En 2013, el director supervisó esta nueva restauración digital que se estrenó con gran éxito en el Festival de Cine de Venecia.
Kim Novak y Libro Campana y Vela (1958)
El público siempre ha entendido y amado kim novak , sin embargo, muchos críticos juzgaron mal su trabajo como demasiado simplista en comparación con los actores cuyas actuaciones estilizadas ahora se consideran obsoletas. En retrospectiva, el trabajo de Novak está recibiendo más elogios con el paso del tiempo. Ella está siendo reconocida y honrada por su habilidad para actuar. Los premios más recientes de Novak incluyen el prestigioso Oso de Oro por su trayectoria en el Festival Internacional de Cine de Berlín. En 2003, Novak recibió el premio Eastman (Kodak) Archives Award por su importante contribución al cine (los homenajeados anteriores incluyen a Greta Garbo, Audrey Hepburn, James Stewart, Martin Scorsese y Meryl Streep).
Novak también recibió un tributo especial de la Cinemateca Estadounidense de Hollywood, donde sus películas se proyectaron en el Teatro Egipcio en enero de 2004. Hizo una rara aparición personal con una sesión de preguntas y respuestas en el escenario entre las proyecciones de Libro Campana y Vela (1958) y Vértigo (1958).
En 1956, Novak se convirtió en la estrella de taquilla número 1 del mundo y ocupó ese puesto durante tres años completos de excelente realización cinematográfica. Sabiendo que nada dura para siempre y no queriendo ser presa de los finales trágicos que a menudo resultan cuando las estrellas y los símbolos sexuales se pierden en crisis de identidad, Novak tomó la decisión de alejarse de Hollywood. Se necesitó mucho coraje para darle la espalda a una carrera exitosa y lucrativa cuando estaba en su apogeo, pero sintió la necesidad de ir en busca de sí misma para aprender lo que realmente quería de la vida. Novak se mudó a una vivienda en un acantilado a lo largo de la costa salvaje de Big Sur, California, con el propósito de crear un nuevo estilo de vida en armonía con la naturaleza y combinarlo con su amor por la pintura y la escritura de poesía. Uno de sus poemas fue convertido en canción y grabado por Kingston Trio y Harry Belafonte.
Novak nació como Marilyn Pauline Novak en Chicago, hija de un profesor de historia que, durante la Depresión, se convirtió en despachador de carga del ferrocarril. En el intento de su madre por ayudar a Novak a superar su timidez y volverse más extrovertida, animó a su hija a unirse a un club de adolescentes donde pronto comenzó a modelar. Trabajó apareciendo en dos películas junto con otras 20 modelos cuando fue descubierta por un agente y firmó un contrato con Columbia Pictures.
El primer trabajo de Novak fue junto a Fred MacMurray en Persona fácil de convencer (1954), un melancólico film noir dirigido por Richard Quine. Ella fue la actriz revelación y esa película la llevó a su segunda película, interpretando a una hermosa playgirl de Broadway en la comedia de George Axelrod, ffffft (1954), junto a Judy Holliday y Jack Lemmon. 5 contra la casa (1955), después de lo cual fue cedida al productor y director independiente Otto Preminger para El hombre del brazo de oro (1955) en la que interpretó a la compasiva y preocupada novia de un drogadicto, interpretada por Frank Sinatra. Aún más espectaculares fueron sus papeles protagónicos como la chica de campo de un pequeño pueblo en la versión cinematográfica de William Inge. Picnic (1955), dirigida por Joshua Logan, y como la esposa de la alta sociedad de Tyrone Power en La historia de Eddy Duchin (1956).
En Jeanne Águilas (1957), junto a Jeff Chandler, Novak interpretó el papel principal de la tempestuosa estrella de Broadway de los años 20. En el musical de Rodgers y Hart, amigo joey (1957), protagonizó junto a Rita Hayworth y Frank Sinatra. En 1958 protagonizó junto a James Stewart la película de Alfred Hitchcock. Vértigo , una película que la Biblioteca del Congreso nombró tesoro nacional, eligió la primera vez que el Registro Nacional de Cine decidió comenzar a agregar 25 películas al año a la Biblioteca. Ella siguió Vértigo con una comedia Libro Campana y Vela , nuevamente junto a Stewart y Jack Lemmon. En su próxima película, Mitad de la noche (1959), interpretó a un interés amoroso mucho menos glamoroso de su anciano empleador, Fredric March, y realmente brilló como actriz. Sus películas a principios de la década de 1960 mostraron su versatilidad en Extraños cuando nos encontramos (1960), con Kirk Douglas, y la comedia poco convencional La notoria casera (1962), con Jack Lemmon nuevamente.
En un movimiento histórico para todos los actores que la siguieron, Novak fue la primera actriz (y mujer) en negociar un acuerdo de propiedad de su propio producto, tan pronto como finalizó su contrato original con Columbia. El acuerdo fue negociado por su antiguo agente, Norman Brokaw, ahora presidente de la junta directiva de William Morris. Formó su propia productora e hizo Noche de chicos (1962), y luego voló a Irlanda para protagonizar la tercera versión de la novela de Somerset Maugham, de la servidumbre humana (1964), con Laurence Harvey. Su próxima película, la de Billy Wilder Besame estupido (1964), conmocionó a la Legión de la Decencia cuando se estrenó, pero fue redescubierta y aclamada por su visión de futuro en 2001, y desde entonces se ha presentado en presentaciones especiales en casas de arte con excelentes críticas, en particular por la interpretación de Novak como “ Polly la pistola.
Novak regresó a Inglaterra para protagonizar Las aventuras amorosas de Moll Flanders (1965) y se casó con su coprotagonista Richard Johnson. En La leyenda de Lylah Clare (1968), Novak nuevamente interpretó un papel dual (que parecía ser un tema en su trabajo) como una estrella de la pantalla de los primeros días y la actriz más joven elegida por un director obsesionado para recrearla. Siguiendo El gran atraco al banco (1969), Novak regresó a Big Sur.
Aunque la primera prioridad de Novak es su vida privada, nunca ha perdido el amor por la actuación porque lo ve como otra expresión de su arte. Ocasionalmente ha dejado 'la naturaleza' para un proyecto como Sólo un gigoló (1978) junto a David Bowie, o El espejo roto (1980), con Rock Hudson, Elizabeth Taylor y Tony Curtis. Varios años después, trabajó con Ben Kingsley en Los niños (1990), luego apareció en Mike Figgis' Amor sueño (1991).
En los últimos años, Novak ha optado por expresarse a través de su arte. Sus pinturas son principalmente impresionistas y extraordinariamente emocionales. Tuvo su primera exposición pública de su arte en 2012 en el Museo Histórico de San Francisco.
Libro Campana y Vela (1958)
Presentado en colaboración con Sony Pictures
El mismo año, James Stewart y Kim Novak coprotagonizaron Vértigo , que recientemente fue declarada la mejor película jamás realizada por el British Film Institute, también se unieron para esta amable comedia romántica con un toque sobrenatural. Las dos películas muy diferentes están estrechamente relacionadas, ya que Paramount y Columbia llegaron a un acuerdo para elegir a Stewart en esta película y usar los servicios de Novak en la película de Hitchcock. Novak interpreta a una bruja de Greenwich Village que lanza un hechizo de amor sobre Stewart para robárselo a un viejo rival de la universidad. Es difícil creer que necesitaría magia para hacer que un hombre se enamorara de ella, particularmente con la cinematografía de James Wong Howe capturándola en su forma más hermosa. Y como si Novak no fuera lo suficientemente atractivo como para convertir a cualquiera en las artes oscuras, tiene una familia de encantadores excéntricos, el hermano Jack Lemmon y la tía Elsa Lanchester, para endulzar el trato. Un año antes de saltar al estrellato en A algunos les gusta caliente (1959), Lemmon roba todas sus escenas como un brujo travieso que toca bongos en el club de jazz local y usa su magia para punkear a los transeúntes.
Ryan O'Neal y Papel de Luna (1973)
Nacido Patrick Ryan O'Neal el 20 de abril de 1941, en Los Ángeles, Ryan O'Neal parecía destinado al mundo del espectáculo como hijo del escritor Charles 'Blackie' O'Neal y la actriz Patricia O'Callaghan. Decidido a hacer su propio camino, O'Neal se entrenó para convertirse en boxeador profesional, compitiendo en dos campeonatos de los Guantes de Oro en Los Ángeles en 1956 y 1957. Tenía un impresionante récord de pelea amateur: 18 victorias contra 4 derrotas, con 13 nocauts.
A fines de la década de 1950, O'Neal y su familia se mudaron a Alemania por el trabajo de su padre escribiendo transmisiones para Radio Free Europe. O'Neal continuó sus estudios en el Munich American High School hasta que consiguió su primer trabajo en la industria del entretenimiento como doble de acción en la serie de televisión estadounidense. Cuentos de los vikingos.
A principios de la década de 1960, O'Neal se casó con la actriz Joanna Moore y la pareja tuvo dos hijos: Tatum y Griffin. Los dos se separaron unos años más tarde, y O'Neal luego se casó con la actriz Leigh Taylor-Young, a quien conoció en el set de lugar de peyton , su primer papel importante en televisión. Tuvieron un hijo, Patricio.
O'Neal hizo su debut cinematográfico en la película de Elmore Leonard. El gran rebote (1969). O'Neal pasó a hacer Twentieth Century Fox's Los juegos (1970), donde conoció al escritor/maratonista Erich Segal. Su gran oportunidad pronto llegó cuando fue elegido entre más de 300 aspirantes para el papel de Oliver Barrett junto a Ali MacGraw en la adaptación de Arthur Hiller del éxito de ventas de Erich Segal. Historia de amor en 1970. La película fue un gran éxito y le valió a O'Neal nominaciones al Oscar® y al Globo de Oro® como Mejor Actor.
Después Historia de amor , O'Neal recurrió a la comedia y protagonizó junto a Barbra Streisand el gran éxito ¿Lo que hay de nuevo viejo? (1972). Luego actuó junto a Warren Oates y Jacqueline Bisset en El ladrón que vino a cenar (1973). A continuación, O'Neal asumió el papel de un vagabundo que trabaja en estafas con su hija, interpretada por su hija en la vida real, Tatum. en el éxito aclamado por la crítica Papel de Luna (1973), por la que fue nominado al Globo de Oro como Mejor Actor. Tatum ganó un Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto por su papel.
O'Neal luego protagonizó el drama histórico de Stanley Kubrick de 1975. barry lyndon ; La historia de Oliver , una secuela de Historia de amor en 1978; y el golpe negro El conductor , también en 1978. En 1979, O'Neal obtuvo otra victoria de taquilla con El evento principal , protagonizada de nuevo junto a Barbra Streisand. Y en 1984, coprotagonizó con Drew Barrymore, Shelley Long y Sharon Stone en Diferencias irreconciliables.
En 1979, O'Neal conoció y se enamoró de la actriz Farrah Fawcett. Juntos tuvieron un hijo, Redmond. O'Neal y Fawcett coprotagonizaron la miniserie hecha para televisión Pequeños Sacrificios (1989), basada en la historia real de Diane Downs. O'Neal regresó a la televisión por episodios, nuevamente coprotagonizando con el amor de la vida real, Farrah Fawcett en 1991 con la comedia de situación. buenos deportes .
Los otros papeles de O'Neal incluyeron protagonizar junto a Robert Downey, Jr. en Lo más probable es (1989); Fiel (1996), coprotagonizada por Cher; y la comedia Los más buscados de Malibú (2003). O'Neal ha continuado trabajando en televisión con un papel recurrente en el exitoso drama criminal. Huesos y recientemente hizo un reality show con su hija Tatum en OWN.
Papel de Luna (1973)
Presentado en colaboración con Paramount Pictures
La historia de amor de Peter Bogdanovich con el pasado le sirvió de mucho en esta adaptación de la novela de Joe David Brown Addie reza . No solo recrea con amor las áreas rurales de Kansas y Missouri durante la Depresión, sino que su trabajo refleja lo mejor de los principales directores de la Edad de Oro de Hollywood. Los paisajes en blanco y negro de enfoque profundo capturan las extensiones escénicas de las películas de John Ford (en un momento, los protagonistas pasan por una sala de cine que muestra la película de Ford de 1935 Barco de vapor a la vuelta de la esquina ), mientras que las bromas vertiginosas entre el estafador Ryan O'Neal y la hija de la vida real Tatum, como la niña dura que se convierte en su cómplice, se hace eco del diálogo cómico en las películas de Howard Hawks. Un crítico incluso se refirió a la imagen como la última película de Preston Sturges. Bogdanovich había estado ansioso por volver a trabajar con O'Neal después de que hicieran ¿Lo que hay de nuevo viejo? (1973) y convenció a la hija de O'Neal para que intentara actuar. Obtuvo una actuación tan buena de ella que ganó el Oscar a la Mejor Actriz de Reparto, incluso superando a la coprotagonista Madeline Kahn, quien interpreta a la bailarina de carnaval con la que O'Neal se relaciona memorablemente.
Albert Maysles y jardines grises (1975)
Uno de los directores de fotografía y documentales más destacados de Estados Unidos, alberto maysles Ha estado haciendo películas durante más de medio siglo. Con su hermano, David (1932-1987), Albert fue pionero en el “movimiento del cine directo”, la versión claramente estadounidense del “cinema verité” francés, en el que el drama de la vida humana se desarrolla tal cual, sin guiones, escenarios ni narración.
Los hermanos Maysles utilizaron estas técnicas innovadoras para realizar los primeros largometrajes de no ficción, incluida la innovadora película de 1968, Vendedor . Clásicos de Maysles como Dame cobijo (1970) y jardines grises (1975), seguidos pronto y son aclamados por su exquisita cinematografía y retratos sensibles de personas, tanto famosas como no reconocidas.
Albert ha recibido numerosos premios y elogios por sus películas y cinematografía de organizaciones como la Fundación Guggenheim, la Fundación Peabody, los Emmy®, la Sociedad Estadounidense de Directores de Fotografía y la Asociación Internacional de Documentales, que eligió tres películas de Albert y David entre las mejores 25 documentales jamás realizados.
En 2005, Albert fundó Maysles Documentary Center, un centro de formación y cine sin fines de lucro en Harlem, Nueva York. El MDC ofrece capacitación gratuita o de bajo costo a los aspirantes a documentalistas en la comunidad de Harlem, tanto jóvenes como adultos. The Maysles Cinema es la única casa de cine independiente en el alto Manhattan y se dedica a la exhibición y producción de películas documentales que inspiran el diálogo y la acción.
jardines grises (1975)
Presentado en colaboración con Janus Films y la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas
Este documental conmovedor y sorprendentemente original es un tributo a dos mujeres que, durante más de 20 años, colorearon fuera de las líneas y lo hicieron maravillosamente. Una vez que las reinas de la sociedad, Edith Bouvier Beale y su hija, también llamada Edith Bouvier Beale, se retiraron del mundo en los años 50 solo para ser redescubiertas por los documentalistas pioneros Albert y David Maysles. Los hermanos originalmente se propusieron hacer una película sobre la princesa Lee Radziwill, la hermana de Jacqueline Kennedy Onassis. Sin embargo, cuando conocieron a los Beale durante su investigación, estaban tan intrigados por el mundo que habían creado en su mansión en ruinas de East Hamptons que decidieron hacer una película sobre ellos. Uno de los mayores regalos de los Maysles en películas como Dame cobijo (1970) y Vendedor (1968) es salirse de la imagen, y ese regalo es evidente aquí. Al filmar a madre e hija, 'Big Edie' y 'Little Edie', dejaron que sus sujetos dieran forma a la película a través de sus rutinas diarias, reminiscencias, actuaciones musicales espontáneas y frecuentes disputas. El resultado es una evocación poética, a menudo cómica, de la excentricidad y de dos mujeres que nunca dejaron de ser ellas mismas.
Ira Wohl y El mejor chico (1979)
Ira Wohl es el cineasta ganador del Premio de la Academia® de El mejor chico (1979), un largometraje documental sobre el viaje de su prima Philly, de 50 años, con problemas mentales, hacia una mayor independencia. Wohl también es el creador de la secuela, El mejor hombre (1997), que muestra cómo Filadelfia ha sobrevivido y prosperado, así como Mejor hermana (2006), que presenta a la hermana de Philly, Frances, de 80 años, que vive en una época en la que casi todas las personas, valores y tradiciones que alguna vez le dieron sentido a su vida han dejado de existir.
En 2004, Wohl produjo La gente dice que estoy loco , el primer documental fotografiado y dirigido por una persona con esquizofrenia. John Cadigan, un artista visual que tuvo un brote psicótico a los 21 años, invita al público a recorrer el mundo dentro de su 'mente hermosa': un universo caótico, paranoico e imaginativo en el que lucha por saber qué es real, pero aún así se las arregla para vivir creativo. y vida plena.
Wohl tiene una maestría en Trabajo Social de la Universidad del Sur de California y es un Trabajador Social Clínico Licenciado con una práctica privada, así como una de tiempo parcial en el Instituto y Hospital Neuropsiquiátrico de UCLA, donde ve a los estudiantes para psicoterapia. Acaba de regresar de Chicago, donde filmó una serie de catorce entrevistas en profundidad que cubren todo el espectro de los trastornos mentales, para una nueva serie de DVD sobre el proceso, la utilidad y la filosofía del diagnóstico.
El mejor chico (1979)
La familia y el tiempo son los focos de este documental intensamente conmovedor que actualmente marca su 35 aniversario. El cineasta Ira Wohl pasó cuatro años siguiendo a su tía y su tío mayores mientras se enfrentaban a la necesidad de crear un futuro para su hijo con problemas mentales, Philly. Originalmente, Wohl simplemente se había propuesto ayudar a Filadelfia a ser más independiente. Dos días antes de la primera reunión de Philly con un neurólogo para determinar exactamente cuál era su potencial para una vida independiente, Wohl decidió filmar el encuentro. En un día, Wohl se dio cuenta de que esta era una historia que necesitaba contar, por lo que continuó documentando la creciente independencia de Philly y el desarrollo de una familia extendida de cuidadores, así como el efecto que esto tuvo en sus relaciones familiares. El mejor chico recibió críticas entusiastas y ganó el Oscar® al Mejor Documental. Inspiró una secuela, El mejor hombre (1997), centrándose en la vida de Filadelfia en un hogar comunitario y los preparativos para su Bar Mitzvah.
Una conversación con Thelma Schoonmaker
Thelma Limpiadora Powell nació en Argel, Argelia, donde su padre trabajaba para la Standard Oil Company. Creció en la isla de Aruba y después de regresar a los Estados Unidos, asistió a la Universidad de Cornell, donde estudió ciencias políticas y ruso, con la intención de convertirse en diplomática. Mientras realizaba su trabajo de posgrado en la Universidad de Columbia, respondió a una New York Times anuncio que ofrecía capacitación en el trabajo como asistente de montaje de películas. La exposición al campo despertó el deseo de aprender más sobre la edición de películas, y su carrera quedó establecida.
Durante un curso de verano de seis semanas en la escuela de cine de la Universidad de Nueva York, conoció a Martin Scorsese y Michael Wadleigh. A los pocos años, estaba editando el primer largometraje de Scorsese, ¿Quién es ese que llama a mi puerta? (1967), después de lo cual editó una serie de películas y comerciales antes de supervisar la edición de la película de Wadleigh de 1970 Woodstock , por la que fue nominada a un Premio de la Academia®.
En 1981, Schoonmaker ganó el premio de la Academia, el American Cinema Editors Eddie y el premio BAFTA por su edición de Scorsese. Toro furioso (1980). Desde entonces, ha trabajado en todos los largometrajes de Scorsese: El rey de la comedia (1983); Fuera de horas (1985); El color del dinero (1986); La última tentación de Cristo (1988); el segmento “Lecciones de vida” de Historias de Nueva York (1989); buenos muchachos (1990), que le valió otro premio BAFTA y otra nominación al Oscar®; El cabo del miedo (1991); La edad de la inocencia (1993); Casino (1995); Paquete (1997); El documental de Martin Scorsese sobre los primeros 100 años del cine estadounidense, Un viaje personal con Martin Scorsese a través del cine estadounidense (1995); Trayendo a los muertos (1999); El documental de Martin Scorsese sobre el cine italiano, Mi viaje a Italia (2001); Bandas de Nueva York (2002), por la que obtuvo otra nominación al Oscar y ganó el Premio Eddie de los Editores de Cine Americano; El aviador (2004), por la que ganó su segundo Premio de la Academia y el American Cinema Editors Eddie; Los difuntos (2006), por la que ganó su tercer Premio de la Academia y su cuarto Premio Eddie de Editores de Cine Americano; isla del obturador (2010); Hugo (2011), por la que fue nominada al Oscar; y más recientemente El lobo de Wall Street (2013), por la que recibió una nominación de American Cinema Editors y una nominación de BAFTA. Actualmente trabaja en el documental de Martin Scorsese sobre el cine británico.
Además de editar, Schoonmaker trabaja incansablemente para promover las películas y los escritos de su difunto esposo, el director de cine Michael Powell, cuya obra incluye títulos como Los zapatos rojos (1948), Narciso negro (1947), La vida y muerte del coronel Blimp (1943), Una cuestión de vida y muerte (1946) y mirón (1960).