RYAN DAVID en SEATTLE ROAD: “Mi arte debe ser un reflejo de mí” – Entrevista exclusiva
Desde el momento en que aparecen en la pantalla los primeros fotogramas de SEATTLE ROAD y suenan los acordes sombríos de los violines, los pensamientos de Terrence Malick vienen inmediatamente a la mente. Pero SEATTLE ROAD no proviene de Malick. No, proviene de Ryan David, un joven escritor/director talentoso que se embarca en su primer largometraje narrativo. Un cineasta que abraza los estilos cinematográficos de autores de los años 60 y 70 como Truffaut, Bergman, Rainier Werner Fassbinder, el cineasta soviético Andrei Tarkovsky y, particularmente, Nicholas Ray, las influencias de estos hombres son evidentes en cada elemento del trabajo bastante estilizado de David. comenzando con la historia.
Protagonizada por Maximillian Roeg y Julia Voth, con un giro notable de Kelly Lynch, SEATTLE ROAD es la historia de una joven pareja, Adam y Eve, que huyen juntos para perseguir su 'arte': para Eve es su escritura, para Adam es su pintura – y una vida juntos autopercibida como “idílica”.
A partir de la muerte del padre de Eve y su omisión de su patrimonio aparentemente considerable, Eve tiene una base emocional menos que sólida. Ella quiere conectarse con su padre, incluso en la muerte, especialmente después de que estuvieron algo distanciados en vida. Dirigiéndose a la casa de su infancia ubicada en Seattle Road, Adam la acompaña gracias a las mentiras de Eve sobre la verdadera propiedad y el estado de la casa en la que ocupan una residencia un tanto 'en cuclillas'. La pasión lujuriosa y el amor impulsan a la pareja, pero la ambición individual parece obstaculizar sus intentos de productividad artística y estabilidad emocional. A medida que las drogas entran en juego, la relación toma una espiral descendente, aprovechándose de sus miedos, celos e inseguridades más íntimos antes de cerrar el círculo en un enfrentamiento explosivo cuando se revelan las verdades sobre Eve, poniendo la relación a prueba.
De estructura no lineal, al hablar con Ryan David para esta entrevista exclusiva, descubrí que la historia comenzó para él gracias a su fascinación por la “memoria, el tiempo y la percepción”. “Siempre me ha interesado mucho cómo se unen esas cosas”. En el momento en que se embarcó en el viaje de SEATTLE ROAD, él mismo de 30 años, en una relación con un guionista y también leyendo el libro 'Just Kids' de Patty Smith, 'hubo todas estas grandes convergencias de experiencia personal, leyendo este libro, viendo otras relaciones. . .Fue un período de crecimiento. Cuando estás en tus 20 años y te estás preparando para dejar atrás tu infancia y tener que convertirte en un adulto pero realmente no quieres, es como si tuvieras un capullo y ahora tienes que resolver estas cosas. Ya no estás en la escuela secundaria con el amor de todos los días simplemente pasando el rato juntos. No puede ser así. Es navegar por todas estas cosas cuando ambas personas están pasando por grandes cambios. Ambas personas son orugas que van a ser mariposas, pero están pasando por eso juntas”.
Con la historia en su lugar, algo que David desarrolla intensamente no es solo la crudeza de la historia y los personajes, sino también el pulido cinematográfico que, al combinar los elementos, crea una dicotomía sorprendente que se presta a una exploración incómoda pero íntima de contrastes emocionalmente complementarios para la audiencia. Para lograr esto, David tenía un doble enfoque. La primera fue contar ambos lados de la historia, el de Eva y el de Adán. “No quería que fuera solo de su lado o de su lado. Ella era la que hablaba y él la persona visual. Entonces, primero fue, ¿cómo entrelazo esta historia donde es su voz que cuenta su versión de la historia y sus montajes artísticos, que están en su cabeza y son cómo él está creando su versión de la historia? La yuxtaposición de él y ella, mostrando las dos caras de una misma moneda. . .es mantener esas dos cosas juntas”. La segunda punta fue la corrección de color. “Pasé mucho tiempo en la corrección de color. No solo hice una paleta de colores. Básicamente, escena por escena, revisé la película y miré fotografías antiguas del grupo del valle del río Hudson de la década de 1800, e hicimos muchos cambios de color diferentes para que, a medida que avanzaba la película, la coloreáramos de manera diferente. . .Utilicé el color y la coloración en diferentes momentos para ayudar a contar la historia de dónde estabas, especialmente porque la película no está en orden lineal”. Para mantener a la audiencia emocionalmente “atrapada” en la historia, “lo mejor que pude hacer fue colorear de diferentes maneras para que puedan entender la parte emocional. Al final del día, se trata de cómo haces que alguien sienta algo. Van a pensar en cosas, lo van a analizar, van a decir esto o aquello, pero es cómo haces sentir a alguien. Para mí eso fue muy importante”.
Cuando habla de la conexión emocional no solo de SEATTLE ROAD, sino de cualquier historia, David se apresura a mencionar a uno de sus directores favoritos de todos los tiempos, Nicholas Ray. “Lo que siempre me llamó la atención de él fue su sensibilidad y su vulnerabilidad en situaciones sentimentales. Tenía muchas ganas de intentar capturar eso lo mejor que pudiera, experimentando y no cerrando la puerta a nada diciendo que no podemos hacer esto porque rompe esta regla o porque no es la 'manera correcta' de hacerlo. Les quité las esposas a todos”.
La creación de la sensibilidad cinematográfica de SEATTLE ROAD llevó a David a la directora de fotografía Sandra Valde Hansen. Ya demostró su habilidad en la iluminación y la lente y el desarrollo de una paleta en películas anteriores como “Kaboom!” y la exquisita “White Bird In A Blizzard”, David llama a Hansen “increíble” ya que ahora aporta un tono visual y una textura al estilo de Malick a SEATTLE ROAD. Mirando a Andrei Tarkovsky en busca de influencia visual, David se apresura a señalar que Hansen tiene 'una sensibilidad asombrosa' y rápidamente estuvo de acuerdo con su visión, en gran parte debido a su 'guion gráfico [ing] todo', lo que les permite ser 'perfectamente en sintonía.'
Exponiendo la gramática visual de la película, hay una textura visual y auditiva que va de la mano con el uso del color, hermosos montajes de tinta que se desvanece en el agua con un efecto visual de cámara lenta, luego se superpone con una narración de voz en off y puntuación distintiva de Dhani Harrison y Paul Hicks. Llevar esta gramática visual a su estética era importante para David.
Aficionado al cine independiente, ha observado durante varios años que las películas independientes se han “convertido en parte de la máquina. Son como lobos con piel de cordero. . Tienen el mismo ritmo de guión que los éxitos de taquilla de Hollywood; página 5 esto pasa, página 10 esto pasa. El cine independiente, para mí, es a su manera una cinta transportadora. Las películas están perfectamente diseñadas para ir a Sundance, están perfectamente diseñadas para ir a SXSW y están perfectamente diseñadas para ser vendidas. Pero luego tienes lo mío: SEATTLE ROAD”.
“Al principio es un poco desafiante porque la gramática cinematográfica que estoy usando es tan diferente a la que la gente está acostumbrada, que al principio no saben cómo tomarla. A veces se necesita que otras personas que entienden la gramática cinematográfica lo miren para ayudarnos a difundirlo y correr la voz. . Estuve en la Universidad de Nueva York durante los últimos tiempos cuando todavía enseñaban cine. Tuve que sentarme allí y cortar cuadro por cuadro, empalme por empalme. Con el advenimiento de lo digital, todo se ha convertido en, 'Oh, preséntate con tus amigos, filma a un montón de gente hablando y lo resolveremos más tarde'. Nadie se sienta y piensa. Las herramientas que se nos brindan son excelentes, pero para mí es encontrar el equilibrio perfecto entre lo antiguo y lo nuevo y fusionarlos”.
Parte de la fusión de lo antiguo y lo nuevo llevó a David a la cámara Arri Alexa “porque quería filmar lo más cerca posible de la película, [y] usamos lentes Panavision de la década de 1970. Nadie quería que los usáramos porque eran demasiado grandes y voluminosos, pero yo dije: '¡Perfecto! ¡Los usaremos!’ Realmente estaba tratando de mantenerse fiel a este homenaje de los años 60 y 70 a los grandes directores. . .[L]as herramientas y cómo utilizarlas realmente se ha perdido en el cine independiente. . Me encantan esas películas, no me malinterpreten, pero extraño a las personas que intentan ampliar los límites del lenguaje cinematográfico, o al menos intentarlo. Espero que con mis películas pueda inspirar a la gente a volver allí y tratar de inspirarse para recrear a su manera”. El hecho de que una película sea 'indie' no significa que no pueda ser cinematográfica y que no pueda usar las herramientas adecuadas en la caja de herramientas para lograr la estética adecuada.
Parte de esa caja de herramientas cinematográfica también implica la edición y, aquí, David recurrió a la experiencia de Matt Johnston. Con la secuencia de apertura de la película, se despierta la curiosidad del espectador y se establece el tono, lo que suscita interés y preguntas, cuyas respuestas luego se desarrollan. Haciendo referencia a las técnicas de apertura utilizadas en las primeras películas de Akira Kurosawa, David abre la película “sin ningún diálogo, sin nada. Solo la edición y el tono. Toda la película, la tesis, está ambientada en la apertura”. Admitiendo que esto 'no fue un proceso de edición rápido', David y Johnston pasaron unos ocho meses editando. “Fue un proceso de descubrimiento. . No es como una edición 1-2-3 y luego, dos semanas después, la película está lista”. Al comparar el papel del editor con el de un guionista, “la edición se parece mucho a escribir y reescribir. Reescribimos y reescribimos. Así se llega a este tipo de películas; tener tiempo para gastar reescribiendo la arcilla que tienes cuando disparas. Para mí, gran parte de mis películas y cómo quiero armar las cosas está en el proceso posterior”.
Pragmático en su filosofía cinematográfica, David cree que muchos cineastas no dan en el blanco porque “mucha gente gasta todo su dinero en la producción real. . . .Creo que eso es un [pensamiento] equivocado. Ponga todo el dinero en la pantalla y luego no tendrá dinero para publicar. Al final del día, la producción es donde obtienes la arcilla. Pero es realmente en la publicación donde lo cincelas. . . Hay muchas buenas películas, pero solo hay que encontrarlas. Incluso las grandes funciones de Hollywood, cuando tienen una fecha límite, tienen que cumplir con esa fecha límite. Puede que haya una gran película allí, pero si solo tuvieran dos intentos de edición y tuvieran que sacarla, obtendrán algo que simplemente no está tan bien pensado”.
La guinda del proverbial pastel cinematográfico viene de la partitura. Omnipresente a lo largo de la película, el compositor Dhani Harrison junto con Paul Hicks, entrega un trabajo con ritmos emocionales variables que capturan la vida que se desarrolla en la pantalla para Adán y Eva. Trabajando originalmente con un compositor en las etapas de composición temporal de SEATTLE ROAD, no pudo lograr el resultado musical deseado, por lo que “toda la producción quedó en suspenso y sacamos la película para ver cuál era la retroalimentación y si podría conseguir un compositor” con las sensibilidades temáticas necesarias para el director Ryan David. El compositor que cumplió con los requisitos fue Harrison, que asombró a David con una secuencia que se volvió “muy, muy oscura con la música”. Describiendo a Harrison y su compañero de composición Hicks como 'como niños pequeños tratando de complacerme', resultó ser un proceso de composición interesante. “Solo tuvimos un período de tiempo muy corto para hacer la partitura porque teníamos un mezclador de sonido que se iba a ir de la ciudad. Esencialmente, teníamos dos semanas para hacer la partitura completa y mezclar la película. Fue una locura. Irónicamente, una de las piezas más llamativas de la película, visual y musicalmente, es el montaje de apertura que, según David, “era la última pieza musical [pero] la única pieza musical que no funcionaba para mí. . .Finalmente en la hora 12 encontraron algo que funcionó.” Una mezcla de música electrónica con violines grabados en vivo, el resultado “fue mágico”. Usando el mismo enfoque que con las imágenes de la película, una sensibilidad práctica táctil, 'usamos lo digital y toda la tecnología en la mayor medida posible, pero también retrocediendo y diciendo cómo hacemos esto, cómo hacemos esto como el 60, ¿cómo hacemos esto como los 70? Esa filosofía también se extendió al one-sheet de la película. “¿Cómo conseguimos que esto se parezca a los años 60? ¿Cómo conseguimos que esto se parezca a los años 70? ¿Cómo volvemos a las herramientas cinematográficas donde no había la tecnología para hacer películas como las de hoy y tenías que hacer las cosas de manera práctica y con mucho más pensamiento?
Ahora que Ryan David tiene un largometraje en su haber y otro en etapas de guión, puede dar un paso atrás sobre dónde ha estado, qué ha logrado y qué ha aprendido sobre sí mismo y sobre el cine. “No soy solo un cineasta. Soy escritor. Me doy cuenta de que me considero más escritor que cineasta. Escribo todos los días. Solo puedo hacer cine hasta cierto punto. . .Soy realmente un escritor, pero no soy solo un escritor. Estoy haciendo mucha fotografía últimamente. He empezado a pintar. Empecé a darme cuenta de que soy un artista y que no tengo que encerrarme en esta concepción estrecha del éxito y que si no entro en este festival de cine y si esto no sucede, es todo. sobre. . . En lugar de mirar fuera de mí mismo, miré dentro. . .Mi arte necesita ser un reflejo de mí. Yo soy el arte y lo que hago es el reflejo. Lo que estoy aprendiendo ahora con mi próximo proyecto en el que estoy trabajando es esa cosa específica. No debería poner mi deseo, mi felicidad o mi autoestima en lo que hago porque es solo un reflejo de mí. Mi vida es el arte. Lo que está pasando es simplemente lo que está pasando. Siento que esa pieza específica [SEATTLE ROAD] estaba justo donde estaba a los 26, 27, 28. La próxima pieza será donde estaba a los 29, 30, 31. Mis cosas serán el reflejo de donde sea que esté mientras me muevo. a través de mi vida.”
entrevista 14/06/2016